時間：2023-08-23 16:54:12
導語：在電影的起源和發展的撰寫旅程中，學習并吸收他人佳作的精髓是一條寶貴的路徑，好期刊匯集了九篇優秀范文，愿這些內容能夠啟發您的創作靈感，引領您探索更多的創作可能。
關鍵詞：電影藝術 電影 譯制
引 言
電影誕生于十九世紀末，是一種綜合性藝術，在成長發展過程中，它不斷地吸取著文學、戲劇、繪畫、音樂、舞蹈、雕塑、建筑、攝影等各種藝術的成就與經驗。電影又是科學技術高度發展后的產物。高度的綜合性和生產上的高度技術要求，規定著電影藝術不同干其他藝術的許多特點。中國電影所指涉的歷史和地理范圍非常之廣，它包括中國大陸、臺灣、香港并且在某種程度上還包括海外華人社區。自從80年代中期以來，中國電影工作者們開始大膽地在世界舞臺上展示自己。中國電影獲得許多國際大獎，而且逐年增多。在文化產業中，電影作為最國際化的媒介產業，一直扮演著重要角色。從某種意義上說，好萊塢從一開始就在向全世界推銷著美國。美國電影很早就具有國際視野。20世紀第一個10年，好萊塢制片人就開始在主要的國外市場設立辦事處。第一次世界大戰開始，美國電影乘歐洲陷于戰爭的混亂中，逐漸取代法國、英國、德國等傳統的歐洲電影基地．形成國際化的電影市場。
1．世界電影的起源與發展
1893年，T.A愛迪生發明電影視鏡并創建“囚車”攝影場，被視為美國電影史的開端，也是世界電影史的開端。1896年，維太放映機的推出開始了美國電影的群眾性放映。19世紀末20世紀初，美國的城市工業發展和中下層居民迅速增多，電影成為適應城市平民需要的一種大眾娛樂。它起先在歌舞游樂場內，隨后進人小劇場，在劇目演出之后放映。1905年在匹茲堡出現的鎳幣影院(入場券為5美分鎳幣)很快遍及美國所有城鎮，到1910年每周的電影觀眾多達3600萬人次。當時影片都是單本一部的，產量每月400部，主要制片基地在紐約。如愛迪生公司、比沃格拉夫公司和維太格拉夫公司。1903年E.S.鮑特的《一個美國消防員的生活》和《火車大劫案》，使電影從一種新奇的玩藝兒發展為一門藝術。影片中使用了剪輯技巧，鮑特成為用交叉剪輯手法造成戲劇效果的第一位導演。第一次世界大戰前夕，鎳幣影院逐漸被一些條件較好的電影院所取代，電影專利公司的壟斷權勢逐漸消失，終于在1915年正式解體。此時以格里菲斯為代表的一批新的電影藝術家已經出現。制片中心也從東海岸移到好萊塢。第一次世界大戰不同程度地破壞和損害了歐洲各國的電影業，卻促成了美國電影的勃興。美國電影源源不斷地涌入歐洲市場。到第一次世界大戰結束時，已經建立起在歐洲的霸權地位。
卓別林于1914年拍攝了第一部影片《謀生》。立即吸引了全世界觀眾。1919年，卓別林、范朋克、壁克馥3位著名演員和格里菲斯一道創辦了聯美公司，以發行他們獨立制作的影片。20年代，美國影片生產的結構從以導演為中心逐步轉化為以制片人為中心的體制?！爸破酥行摹蹦Ｊ叫纬闪?0年代的“明星制度”．各大公司均擁有一批明星。
“好萊塢”此時己成為“美國電影”的同義語。由于在明星制度鼎盛時期有些明星的行為不檢點招致公眾的抨擊，美國電影業成立了“美國制片人與發行人協會”，在W.H.海斯的主持下這一組織制訂了“倫理法典”，以便在審查影片時剔除其中不合乎美國公眾道德觀念和生活方式的情節、對話和場面。這就是著名的海斯法典，它對美國電影的約束一直延續到1966年。
嚴格的審查制度使美國無聲電影的主要成就表現在喜劇片、西部片和歷史片3個方面。喜劇片的佳作首推卓別林的《尋子遇仙記=》(1921)、《淘金記》(1925)和《馬戲團》(1928)等。
20年代中期，豪華的電影院已基本上取代了鎳幣影院。20年代末期，好萊塢電影為戰勝商業無線電廣播這樣的競爭對手，在音響方面進行了一次革命，產生了有聲電影。
2．中國電影的起源與發展
1905年，任景豐在他的北京的照相館里拍攝了中國最早的電影《定軍山》。他拍攝的是著名演員譚鑫培所表演的京劇。鄭正秋于1913年拍攝的家庭短劇《難夫難妻》。被認為是最早的中國故事片。不過，它是由美國人布拉斯基在中國的制片廠、亞細亞影戲公司拍攝的。同年，黎民偉與布拉斯基拍攝了香港的第一部電影《莊子試妻》。布拉斯基后來又把這部片子帶到美國。因此它成為最早在國外放映的中國電影。
由此可見，中國電影從誕生之初便是跨國資本的產物。在以后的歲月里，中國的民族電影是在引進的西方的電影技術、意識形態、藝術手段的背景下產生和發展壯大的。程季華等人在1960年代初所寫的《中國電影發展史》是一項具有里程碑意義的研究。在這本代表官方觀點的著作中，中國的左翼進步電影的發展是在與外國電影、特別是美國電影霸權的斗爭中成長的。中國民族電影工業所作的生死搏斗與作為20世紀民族國家的中國的困境息息相關。除電影的生產制作之外，電影審查、制片廠的所有權、政府干預以及公眾輿論等都是建立一個新的、象征性的中國的重要方面。1927年統一中國后，中央政府很快便成立了電影審查委員會，來審查外國片在中國的上映。該委員會一直持續到1937年爆發。
在同一時期，人們都自覺地努力阻止外國人在中國擁有電影制片廠。知識分子、民眾以及政府經常組成“統一戰線”來保護弱小的中國電影TA，抵制外國的“文化入侵”。整個20世紀的中國，電影審查和對民族電影業的保護一直都維持和繼承下來。
1949年中華人民共和國建立以后，民族電影變成為國有企業。民族電影是時代中國培育大眾民族文化的一個關鍵要素。中國竭力利用電影來建立一幅民族認同的單一化圖畫。不論是從電影工業還是從電影文本或電影美學的層次都可以看到這一點。電影制片廠不再為私人所有。它們經過重新組合之后形成一個新的國家電影工業。整頓調整后形成的一些大制片廠有：長春電影制片廠、上海電影制片廠、北京電影制片廠、八一電影制片廠等，它們都受到文化部和宣傳部的監控和領導。國家對于電影的生產與銷售擁有絕對的權利。電影常常成為政治宣傳與灌輸意識形態的工具。國內外影片都受到嚴格的審查。允許中國觀眾觀看的外國電影主要都來自于社會主義國家。好萊塢電影實際上已從中國消失。
1988年，張藝謀的第一部電影《紅高梁》在柏林國際電影節上獲得了金熊獎。這是中國電影第一次在西方電影節上榮獲大獎，也標志著一個時代的終結與另一個時代的開始。
90年代中國電影進入一個新的發展時 期，因而要求有新的理論描述。它正在經歷著前所未有的國際化過程，并且在全球資本主義所創造的條件下逐漸成為跨國電影。盡管中國電影起初主要的目標是國內觀眾，但是今天它已成為世界電影市場整體的組成部分。許多起源于中國文化中心(大陸、臺灣、香港)的電影已為海外公眾所欣賞和接受。中國電影也被卷入電影工業全球化的潮流之中，加入了世界電影市場的跨國生產、放映、銷售和消費的網絡。若要使電影面向國際消費而非國內觀眾，那么著名的第五代導演張藝謀與陳凱歌等人就有必要對他們的藝術風格與電影主題有所改變。
二、電影藝術
電影經過漫長的發展過程，逐步發展成為20世紀最廣泛和最具影響力的藝術。它通過攝影機以每秒拍攝若干格畫幅的運轉速度，將被攝物體運動的時空轉換過程記錄在條狀膠片上，然后將不同的膠片銜接起來，經過顯影、定影、干燥、加工成電影拷貝的過程，制成可以放映供許多人同時觀看的影片。影片從最初拍攝一些活動的日常生活景象片斷，發展到現在已能夠拍攝豐富多彩、復雜變化的現實世界．具體形象地反映社會生活的能力和生動的藝術感染力。由于電影的樣式和片種繁多．有注重完整故事情節、刻畫人物性格的故事片：有報道某一政治、經濟、文化教育、軍事或歷史事件活動的記錄片：也有運用各種美術手段和材料制作的美術片：還有記錄舞臺藝術表演的戲曲片等等。在這些種類中又包含若干片種。如故事片中有喜劇片、西部片、愛情片、科幻片等，美術片中有動畫片、木偶片、剪紙片：記錄片中有傳記記錄片、文獻記錄片、新聞記錄片等。它包括文學、戲劇、繪畫、建筑、音樂、舞蹈等各種藝術成分。所以被稱為綜合藝術。
所謂綜合藝術，是指綜合幾種藝術成分而構成的藝術樣式。其表現特征是：集體創作。包括編劇、導演、演員、美術、攝影、錄音多個創作部門藝術創造的有機配合。電影有含文學成分的描寫和結構：有含戲劇成分的對話、內心獨白、形體動作、面部表情；有含音樂成分的歌曲和與畫面融合的視覺形象。電影的構成是用活動著的畫面和各種音響表達、表現世界各國的人和環境之間的關系以及由此形成的風俗習慣、生活方式、文化水平，且通俗易懂、明白曉暢。但是，電影的綜合性并不是指各種藝術成分的簡單相加，而是指將各種藝術形式包含的藝術成分融會貫通變成新的東西加以表現。它除具有一般文學藝術的共性特征外。還具有自己的個性特征。這在于電影藝術的表現工具與別的藝術表現工具不同。電影是用攝影機來反映的。攝影機具有真實記錄反映對象及其運動的時空轉換這一特點，由此形成特殊的電影表現手法和電影敘述語言。將各種藝術成分有機統一組合成新的藝術表現形象。正因為如此，作為藝術的電影．雖然是誕生于眾多古老傳統藝術如文學、戲劇、音樂、舞蹈、繪畫、雕塑、攝影……之后的最新最年輕的藝術，但也是迄今為止唯一可以讓我們知道它的誕生日期的藝術。自1895年12月28日盧米埃爾正式公映自己制作的世界最早的影片獲得成功至今僅百年的歷史。而古老傳統的藝術，其中有的已經歷了上千或數千年的滄桑，它們問世的時日，就連專門研究藝術史的專家學者們也無從稽考。電影和古老傳統的藝術相比。它只能算個小弟弟。但是它后來居上，后生可畏，最年輕的藝術――電影，以其無可比擬的藝術魅力，闖進了世界藝術之林．一躍而成為最富群眾性、最具影響力的、與世紀同齡的藝術巨人。其所以能如此，恰恰是由于它年輕，有它自己的優勢。
早期的電影研究家們從電影像誰這一命題出發，探討電影藝術的基本持性和電影美的奧秘。他們所持的觀點和所得的結論各不相同，大相徑庭。有人認為電影像文學．有人認為電影像戲劇。也有的認為電影像繪畫，還有的說像音樂等等。不一而足。于是便有“可見的文學”、“電影詩”、“視覺交響樂”、“沉默的旋律”諸如此類的說法，試圖從電影美學的層次上對電影美的本質做出界說。這些見解雖有其相對的合理性依據，但在今天看來，其各執一端的片面性。則是顯而易見的。電影既像誰也不像誰。電影就是電影，因為電影是吸取、包容了文學、戲劇、音樂、舞蹈、繪畫、雕塑、攝影……多種藝術的因素、集它們于一身的綜合藝術。凡此種種，說明電影吸取了多種藝術門類，并不是各門藝術簡單地相加拼湊在一起，而是經過了化合的有機的綜合整體。電影吸取了多種藝術門類而形成綜合性的審美特性，就其實質來說，乃是時間藝術和空間藝術的有機綜合。正因為如此，作為時間藝術與空間藝術相結合的新型藝術――電影，它克服了傳統的純時間藝術難以充分表現空間和傳統的純空間藝術難以表現時間的局限與不足，既可以充分表現時間又可以充分表現空間，因而具有巨大的表現潛力和藝術可能性。由此也不難看出，包容了多種藝術門類的電影的綜合性實質，還在于它是視覺藝術和聽覺藝術的綜合，它克服了純視覺藝術難以滿足人們對聽覺形象的審美需求和純聽覺藝術難以滿足人們對視覺形象的審美需求的局限，而具有可以融合視聽兩者之長的優勢。成為一門最富群眾性的藝術形式。
三、電影的翻譯與欣賞
作為我國電影事業的重要組成部分。中國的電影翻譯事業已走過了五十多年輝煌的歷程。在這半個世紀中．電影翻譯工作者給廣大觀眾奉獻出了許多優秀的譯制片，觀眾從這些優秀的譯制片中不僅領略、了解到了異國的風土人情同時也感受到了語言給人帶來的無窮魅力。許多優秀譯制片中的精彩對白已成為中國觀眾爭相傳誦的佳句。由此可見，電影作為大眾傳媒．其社會效應是無可估量的。
譯制片又稱翻譯片，顧名思義，一些國外優秀的影片必須通過翻譯方能為中國觀眾所接受。電影翻譯與其它文學作品翻譯具有共同性，即用形象化的語言來表達形象思維中高超的藝術意境。但電影翻譯又有區別于其它翻譯的特殊性，即其譯文要做到能見之于文，形之于聲，達之于觀眾。
電影譯制是一種文化事業，一種經濟產業：譯制片是一種藝術創作形式．一種大眾娛樂方式。經過譯制配音的外國電影變成了中國的譯制片，這是一個不小的變化，它在某種程度上改變了電影的性質．使它不再是純粹的外國產品，而是一定程度上的中國電影產品。譯制片是中外兩種文化交相輝映而幻化出的一個奇妙世界。作為外國電影的中國觀眾．我們懷著一顆中國心通過我們親切的母語傾聽著外國人的心聲，感受著遙遠國度的風土人情，離奇怪異卻又似曾相識。大眾傳媒使人們可以足不出戶便知天下，使文化可以打破民族、國家、疆域的限制，在盡可能廣泛的程度上得到傳播，使人們的行為習慣、價值觀念在不知不覺中發生變化。在這一過程中，電影所發揮的影響是顯而易見的。其表現出的魅力也是有目共睹的。
[關鍵詞] 《戀戀三季》；歌謠；三輪車夫；抗美戰爭
doi:10.3969/j.issn.1002-6916.2012.13.020
引言
1999年越裔美國人包東尼從越南南部的雙季節特點：雨季，旱季中得到靈感（越南南方分為兩個季節：雨季和旱季；越南北方為四個季節：春夏秋冬），加上他對祖國越南的心念展望的季節——希望之季，拍攝了他的處女作《戀戀三季》。此片曾獲得過圣丹斯電影節評審團大獎，最佳攝影和最受觀眾歡迎獎。
《戀戀三季》，也稱作《忘情季節》（《Three Seasons》）。電影描繪了三組截然不同的人物故事，三段內容互不相干，但主題卻有內在的聯系。它們恰好代表了20世紀末越南經過連年戰火取得民族獨立，并進行了10年革新開放后，人民的生存狀態與社會發展進程。這部電影的重要性在于越南人開始問自己一些問題，問他們對傳統文化，生存現狀以及曾經的戰爭帶來的創傷等一系列社會問題的態度。
影片第一個故事講述少女欣幫助一位因麻風病而毀容的詩人走出心靈的黑暗，重拾創作詩歌的信心，并幫他記錄了大量優美詩歌，兩人因而成了忘年交。第二個故事講述了三輪車夫阿海與一位風塵女子之間的愛情故事，經過一連串的事件，風塵女子終于認清了生活的本質，在阿海的幫助下重新走上了光明的道路。第三個故事講述了一位重返越南尋找女兒的美國越戰老兵與背著箱子賣雜貨的小男孩之間的故事，兩人最后都找到了自己丟失的東西。
一千個讀者眼中有一千個哈姆雷特。對于影片《戀戀三季》每位觀眾都會有自己不同的感受與體會。筆者通過這部影片不僅讀到了觸動心靈的故事，欣賞了唯美的畫面，還看到了20世紀末越南社會或隱藏或凸顯的三大現象在電影中的顯現：傳統文化的傳承；底層人民的生活狀況；歷史遺留問題。導演對這三大問題分別選擇了對應的三種典型元素巧妙地銜接起來，通過藝術手法完美地表現：經久不衰的歌謠代表傳統文化的傳承與發展；三輪車夫是表現越南底層人民生活狀況的典型代表；抗美戰爭則是越南近現代史上最近結束的反侵略戰爭。
這部電影表現了越裔美籍導演包東尼對20世紀末祖國越南發展現狀的態度，及對新世紀即將開始的祖國未來的無限期望。
一、經久不衰的歌謠
越南人對歌謠的情感之深決不亞于áo dài（越南長袍）、魚露和水煮空心菜。越南人有這樣一句話：“Nh?ng v?i chúng ta là ng??i Vi?t Nam, chúng ta c?m th?y và th??ng th?c m?t cách t? nhiên cái ??p c?a ti?ng n??c ta, ti?ng nói c?a qu?n chúng nh?n d?n trong ca dao,l?i v?n c?a các nhà v?n l?n.”[1] ——因為我們是越南人，所以我們很自然的從人民群眾的歌謠和大文學家的文學語言中感受到我們語言的美?？梢?，越南人民已經把歌謠看成了他們美麗語言的象征，并為之自豪。
1.越南歌謠的起源及其定義
關于歌謠的起源，目前我國學者一致認為歌謠是藝術的一種。藝術起源于原始勞動生活，自然，歌謠也同樣起源于勞動生活。筆者認為越南歌謠的起源也不例外。至今我們仍能在越南的田野中看到勞動人民邊干活邊歌唱，你唱一句他對一句，或者一個領唱，大家跟著唱，類似中國的唱山歌。歌謠給單調辛勤的勞作生活增添了一抹娛樂色彩。
歌謠在中文中的定義為民歌、民謠、兒歌和童謠的統稱。這既是一種定義，也是歌謠的分類?！皷|南亞地區的民謠根據內容和表現形式不同，可以大致分為勞動歌謠和儀式歌謠兩大類?！盵2]而越南的歌謠以勞動歌謠為主，有其獨特的背景與形式。創作來源主要分為兩種：一種是最為古老也最為常見的傳統勞動歌謠。這類歌謠通常是勞動人民在勞動過程中創造發明的，主要抒發熱愛大自然，表達對生活的感恩以及求愛之情等。另一種是由詩人作詩，勞動人民傳唱的歌謠。抒發的情感與上一種類似，但情感更為細膩。越南歌謠的內容多取自日常生活，且多為六八體詩歌形式，歌調跟越南語言相互配合，因而貼近人民大眾且易懂好學。因此，越南官方字典這樣定義歌謠：“Ca dao là th? ca d?n gian ???c truy?n mi?ng d??i d?ng nh?ng c?u hát kh?ng theo m?t ?i?u nh?t ??nh, th??ng ph? bi?n theo th? th? l?c bát cho d? nh?, d? thu?c.”[3]——歌謠，指用口傳唱不根據特定樂調的歌詞，通常為易記易熟的六八體形式的民間詩歌。簡言之，歌謠就是傳唱的詩歌。
起源
2009年，一個名叫RunPee（跑去尿尿）的美國電影網站瞬間在世界走紅，被譽為史上最實用電影網站。它不是憑借新片介紹、劇情揭秘和影星訪談制勝，而是采取一種匪夷所思的另類創意取悅影迷：給觀眾們帶來了一條網絡尿不濕，它會提前告訴你在某部影片的幾分幾秒有尿點，你可以放心去廁所而不用擔心錯過重頭戲。
跑去尿尿網出現后，最先被豆瓣網、電影時光網的鐵桿影迷介紹到了中國國內。
發展經過
[關鍵詞] 《2001：太空奧德賽》 新時代運動 天啟 回歸 介入演化論
doi:10.3969/j.issn.1002-6916.2012.16.001
影評界曾經流傳著這樣的佳話：“在電影神殿的最高處，在上帝的下面，坐著——斯坦利?庫布里克?！?[1]庫布里克的《2001：太空奧德賽》亦如張若虛以一首《春江花月夜》便“孤篇壓全唐”，這也終將證明這位世紀電影大師是孤獨的王者，他的這部作品達到了科幻電影的巔峰。這部長達139分鐘的電影涵蓋了人類的全部發展史，影片以黑石的多次出現和隱沒為界限，可分為四個主要的組成部分：第一部分“人類的黎明”《The Dawn Of Man》，以寫實的方式拍攝了一群猿猴的生活，第二部分是“月球之旅”《The Travel To The Moon》，第三部分是“木星計劃的十八個月后”《Jupiter Mission，18 Months Later》，第四部分是“木星以及無限蒼穹”《Jupiter and Beyond the Infinite》，特別描述了在多維時空中宇航員Dave異常和詭異的經歷。電影所討論的主題是人類進化的歷史，生命的起源與歸宿，以及無比壯觀的宇宙太空景象。黑石的每一次出現都是人類文明的一次巨大變革。從某種程度上來看，黑石是幫助人類進行自我認知的鏡子，是宇宙造物主設計的天啟力量，催生了望月人猿的靈感，使其突然獲得了使用工具的能力。它代表的不僅是生命起源之力量，而且是生命歸宿的答案。庫布里克意圖通過黑石與人類關系的敘述，以達到對人類進化史的俯瞰，并預言人類未來的命運。同名小說和電影的共同創作者約瑟?克拉克在接受BBC專訪時，庫布里克發去賀詞:“你，給了我們一種新視野，讓我們看到人類從地球搖籃朝自己在星海間的未來伸出雙手，而在那片浩瀚星海間，異星智慧體或許會扮演神般的父親角色，或甚至像‘教父’一樣地對待我們。”[2]半個世紀的光景過去了，電影中的庫式隱喻與符號化語言的象征性表達所暗示的諸多預設信息尚未完全解開，重新對其進行全面解讀，有著特殊的價值和意義。
由于電影本身已經超出了科幻電影的范疇，因此讓我們先來分析一下解讀這部電影需要克服的諸多文化與思維的難題。首先，庫式電影經常有著深刻的哲學思考和廣泛的哲學意蘊，我們只有站在某種接近庫布里克思想的哲學角度或者是具有一定的與之比肩的哲學高度，才能接近庫布里克的答案。其次，我們還要注意電影文本和電影創作者所生活的時代背景。電影文本反映的是它那個時代的文化內涵與反思，電影創作者所表達的是他那個時代的文化經歷與預設。因此，把這兩者放到更為宏大的時代和歷史背景中去考察，有助于我們揭示電影和創作者本身所受時代文化的影響。1968年前后的美國是各種文化思潮和新的社會運動開始蓬勃興起的時候，例如反主流文化的嬉皮士運動，人性潛能運動、“意識革命”和新時代運動。作者本人和作品創作同樣受到這些前衛文化思潮的影響。再者，我們需要拉近文本解讀上的文化距離。“It occurred to us", he said, "that for the Greeks the vast stretches of the sea must have had the same sort of mystery and remoteness that space has for our generation".[1]《2001:A Space Odyssey》，直譯為《2001:宇宙空間奧德賽》，片名源自希臘神話《Odyssey》（奧德賽），它敘述了奧德修斯戰后浪跡天涯，歷盡千辛萬苦回歸家鄉的故事。庫布里克想表達的也正是在宇宙中漫游、探索終極意義的期望，這不僅是一個平鋪直敘的探險故事，而是如神話般莊嚴的主題。
新時代運動（New Age Movement）對美國文化影響深遠，在這部作品中亦有所體現。那么，庫布里克與新時代運動哲學之間到底有什么關系呢？請看下面一段話：
——杉本博司
杉本博司于1948年出生于日本東京。30多年以來，他一直被定義為跨學科的當代藝術家。他模糊了許多藝術形式的邊界，比如：攝影、繪畫、裝置，最近他又開始對建筑進行探討。他的攝影代表作品一路追溯著時間的起源與社會進步，在東西方的不同意識形態間搭建了一座橋梁。1975年，杉本博司開始摸索戴維·艾略特在他的散文《無窮的表面》所描述的“藝術家作品發展源頭的三元基礎流派”。杉本博司的攝影作品也基于三個基礎系列：立體模型、劇院和海景，它們被時間的力量啟動并相互連接在一起。不管是轉瞬即逝、深邃凝重，還是遁空無形，杉本博司作品的主題終究離不開時間這一基本概念。
憑借對銀版印刷制作的敏銳理解，杉本博司成功地詮釋了黑、白、灰三種色調所蘊含的全部潛能。他的攝影作品在東方和西方意識形態中架起了一座橋梁，一路探尋時間起源和社會發展的腳步。杉本博司通過自己對明膠鹵化銀媒介的理解與應用，將這種材質的特有屬性融入藝術的表現過程中，最終在這種媒介上僅通過黑、白、灰三種基本色系就呈現出了自然色調所蘊含的全部潛能。
杉本博司的最新系列作品《閃電原野》以有機物的組合結構以及原始形態為主題，流淌著奔放的動態和能量，影射著生命起源之時迸發出的第一個火花。更重要的是，這些作品以攝影為載體寄托了杉本博司對科學研究和實驗的熱情。他并未使用照相機，而是在暗房里將未曝光的膠片放到預先設計好的、能夠產生不同電壓電流的設備上，以創造出特殊的效果。
《劇院》是杉本博司最著名的系列作品之一，整組照片每一張畫面的正中心都是一塊曝光過度的屏幕，這塊規整的屏幕是一部完整電影的痕跡，是某段時間一種有形的記錄，然而這些痕跡這些時間，它們出現，存在，消失，最終化為一片空白。曾經熱鬧非凡的電影院，在一部電影終結時，當觀眾陸陸續續的散去，談話聲消失了，哭笑聲消失了，腳步聲消失了。靜靜的，唯一依然存在的是那播放過無數電影的屏幕，仍然殘存一絲人體溫度的座位和屬于影院建筑中的一切，它們見證了時間的流逝。每一件事物當他經歷了時間的侵蝕，歲月的洗禮，它的身上就會承載無數的故事，而每一個故事都會或明顯或不明顯地改變著事物的本身。而影院就是這樣一個有著無數故事的地方，屏幕上或喜悅或凄美的故事，屏幕下雞毛蒜皮喜怒哀樂的平凡故事，當你靜靜地坐在散場后的影院時，你是否也聽到了它們低聲細語地訴說著那些故事。在談到創作這組作品的最初靈感時，杉本博司說到：“一個晚上，當我在美國自然歷史博物館拍照片的時候，忽然有一個想法，我問我自己，如果把一整部電影在一張照片上拍攝出來會是什么樣？我心里回答說，你會得到一張發光的帆布。為了能實現這個想法，我馬上開始實驗。一個下午我帶著一架大畫幅相機來到東部一個很便宜的電影院，電影一開始，我就打開大光圈按下快門。兩個小時后電影結束時我閉上光圈并在當天晚上把這張底片沖洗出來，我想像中的畫面猛地呈現在我眼前。”
關鍵詞：影視 音樂 鋼琴
在當下的社會，影視作品已經成為人們娛樂生活中不可缺少的藝術活動形式，隨著影視行業的不斷創新與發展，音樂逐漸成為了影視背景中不可替代的一個重要元素。
在眾多的音樂背景中，鋼琴無疑占有十分重要的作用和地位，它在影片的故事結構、氛圍烘托和人物塑造等方面都有著特殊的意義。
一、鋼琴音樂的藝術魅力
鋼琴音樂之所以有其獨特的藝術魅力，其關鍵在于它具有豐富的情感蘊含和藝術表現。它以豐富多彩的音色和音調演繹了千變萬化的自然界，使自然界的事物通過音樂這一媒介表現出了它們各自獨特的魅力。
鋼琴音樂可以描繪如詩如畫的自然風光，也可以詮釋人們心靈深處的復雜情感，當然也可以用寫實的方法來表現抽象的畫面。它用特有的方式指引人們走入夢想的世界，帶給人們一次次美妙的情感體驗。人們可以將自己置身于畫面當中，感受音樂中包含的喜怒哀樂等等豐富的情感，使自身的心理反應和音樂的真實效果聯系在一起，從而使自身的心境緊隨著音樂的變化和發展。
二、 鋼琴音樂的文化底蘊
鋼琴起源于歐洲，被人們視為歐洲古典音樂。鋼琴音樂作為歐洲古典音樂的主體，吸取了歐洲歷史和文化藝術的內涵。
鋼琴音樂之所以受到人們的青睞，是其具有悠久的歷史文化溯源以及豐富的藝術感染力，它能為電影藝術的視覺和聽覺提供了一個超越時間和空間的理想助推器。音樂對電影而言不僅僅是其重要的組成部分，而且還能夠延伸到電影的劇情當中，以獨特的形式深化人物形象，它用本身特有的音符、旋律、聲音、節奏及色彩等元素，為電影提供了雋永的意蘊和深厚的文化韻律。
鋼琴音樂的發展歷史是一個漫長而曲折的過程，作為一門獨立的學科，它有著和其他學科不同的特性，在電影藝術的動態構成中，將電影藝術的內涵與現實情境融為一體，呈現出審美情趣上的美感。他能夠喚起人們對朦朧現實美景的想象。
鋼琴音樂的表現力是極為豐富的，這與演奏者的藝術魅力不可分割，鋼琴音樂側重在情感的宣泄，在表現情感、意圖等方面有著不可替代的位置和作用。正因為如此，鋼琴音樂才被廣泛用于電影電視作品中。
三、鋼琴音樂與電影的融合
鋼琴音樂主要是根據影片的劇情來敘述發展的，受影片的限制。為了配合劇情的需要，在恰當的時間內用來深化劇情。視聽的綜合感受主要是把電影畫面和音樂的音響相結合形成統一的整體，把畫面和音樂同時展現給觀眾。
電影音樂并不是單純的時間藝術，它把畫面與音樂結合起來共同塑造一個具有綜合性的藝術形象，并通過觀眾的審美觀念構成一個完整的思維形象。
現代電影是畫面與音樂的有機統一體。畫面主要是表露生活內涵的藝術，電影音樂則是以音樂的形式渲染人物的性格，主要用來深化劇情。
電影藝術和鋼琴藝術所具有的功能是不盡相同的，如果兩者選擇同一個主題時，會出現音畫合一的、音畫平行、音畫對立的局面。然而，鋼琴具有獨特的魅力，很自然的就會與電影融合在一起，并且可以為其塑造其所需要的藝術形式。
四、鋼琴音樂在影視作品中的美學表現
隨著影視作品的不斷發展，鋼琴音樂成為了很多影視作品的主要題材，在美學上表現的淋漓盡致，它從抒發故事情感、營造背景氛圍和提升藝術品位的方面充分表現出了它的美學作用。
抒感是音樂本來都具備的功能，特別是在電影中鋼琴音樂可以起到深化情感的作用，提升電影的審美感受，根據電影自身的需要鋼琴音樂類型也有不同的界定，如緊張情節配以急速的音樂，優雅的場面配以舒緩的音樂，無論什么場景，鋼琴音樂在抒感方面都是尤為重要的。
總之，鋼琴音樂以其獨特的藝術魅力被應用到電影藝術中去，不僅為電影藝術增添了蘊涵，而且也為鋼琴音樂本身帶來了新的發展空間。鋼琴音樂與電影藝術的結合必然是當代電影藝術發展的新趨勢。
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黑手黨是個秘密團體，致力發展“我們的事業”。在這個團體中，規矩森嚴，如果你泄露幫派的秘密，你會跟手中圣人像一樣在地獄被火燒。這個神秘團體制造了大量駭人聽聞的事件，美國政府一直想取締這個非法組織，但是幾十年來雙方過招后各有勝負。2007年，意大利警方在對黑手黨老大的別墅進行搜查時，驚人地發現了黑手黨最神圣的法律清單。這是一個令人難以置信的發現：幫派行為準則！現在，前黑手黨成員第一次說出支配他們的“黑手黨十大戒律”。
《戛納國際電影節歷程》
本片攝制于2009年戛納電影節60華誕之時。60年中，戛納電影節一直充滿著精彩、競爭、爭議，當然還有一部部偉大的電影。然而，有多少人知道戛納電影節的誕生與戰爭有關？1939年，法國為了對抗當時受意大利法西斯政權控制的威尼斯國際電影節，決定創辦法國自己的國際電影節。可第二次世界大戰爆發，使籌備工作停頓下來。大戰結束后，1946年9月20日在法國南部旅游勝地戛納舉辦了首屆電影節。自創辦以來，除1948年、1950年停辦和1968年中途停辦外，每年舉行一次，為期兩周左右。頭幾屆都在每年9月舉行，1951年起，為了在時間上爭取早于威尼斯國際電影節，改在每年5月舉行。該片是一部真正的歷史紀錄片，全面記錄了戛納電影節的起源、內涵和影響，不但知識性強，而且從始至終觀眾能看到各個時代自己所鐘愛的電影明星。
《生于妓院》
1998年，紐約新聞記者布里斯基來到加爾各答紅燈區，打算拍攝一些關于的東西，但她發現紅燈區里的孩子屬于更需要人們關注的對象。孩子們對她和她的相機產生了濃厚興趣，于是她組織了一個以孩子為主的攝影班，發給他們一些相機，并對孩子們進行了培訓。雖然這些孩子們生活的環境惡劣，但卻仍舊內心充滿陽光和希望，片中8個小主角拿著相機去記錄他們身邊的世界。無論是街區的角落，還是孩子們的打鬧，都那么地自然真實。如果不加以說明，任何人都不會想到這些真實有沖擊力的照片是出自紅燈區少年之手，而他們也通過攝影慢慢改變了自己的人生。
《福利院的孩子們》
[關鍵詞]招貼，平面設計；電影招貼
招貼在近代擁有廣泛的影響并產生翻天覆地的變化，平面設計用它作為創作和交流的媒介，在很大程度上更接近于個人的設計思想的展現。而發展最快的就是電影類招貼，因為每部電影的背后都有專門的設計團對這部電影在平面設計中去體現男、女主人公或者精彩的電影環節，已達到提示和宣傳的作用。當今的電影招貼大多畫面精美，即使是同一部電影的招貼，各國的版本都會有不同的表現手法，也可能突出不同的主題。一部普通的電影招貼只有一兩個版面，而一部暢銷的大片就可能有數十種版面，《TiTanic》電影的招貼應該是目前版面最多的招貼了。
一、電影招貼的起源
1，電影招貼起源
1895年12月28日，法國盧米埃兄弟在巴黎的一間餐廳里向35位觀眾放映了《火車到站》等短片，當時那張題為《盧米埃電影》的招貼可能是世界上第一張電影招貼。
早期的電影招貼是純粹為了電影的上片做宣傳廣告用途，就如現在賣場中的大多數促銷招貼，是用手工繪制的，又稱手繪電影招貼，其真跡已較少見，好萊塢早期著名影片《飄》、《第凡那的早餐》、《卡薩布蘭卡》當初的招貼都是手繪的，畫面精美細致，至今仍有很高的藝術價值。隨著電影的普及，電影招貼制作技術的進步，電影招貼本身也因其畫面精美、表現手法獨特、文化內涵豐富，成為一種藝術品，具有欣賞和收藏價值。但國外的招貼收藏家一般只收藏原版電影招貼，當然其頭版及前幾版更因其數量稀少升值潛力巨大而備受寵愛。
電影招貼及其他電影衍生產品，從功能上分可分為兩類；第一類是供廣告促銷用的，其產品上常標有“ForPromotion”(促銷用)的字樣，主要用做電影公司的廣告、影院招貼、觀眾的贈品。第一類產品是不能用于銷售的，第二類是可供銷售的。大家在上海看到的電影招貼、明信片，鑰匙圈、紀念卡、馬克杯、T恤等都屬于電影的衍生產品。電影和電影的衍生產品早已成為一種文化、影響了一代又一代人，走進千千萬萬人的生活。
2，電影招貼從版本上可以分為兩大類
第一類是原版電影招貼。所謂原版電影招貼，即是由電影發行公司發行的電影招貼，對招貼發行的數量和質量都有很嚴格的規定。原版電影招貼又可以分為頭版和再版，一般來說，頭版招貼都采用雙面印透的方法來區別于其他招貼，并且所有的原版招貼的尺寸基本上都是99×69cm，再版招貼的尺寸也是99×69cm，但都是單面印刷的。每版招貼都是限量印刷的，作為一種收藏品其價值是不可限估的，國外的電影招貼收藏者是專收原版電影招貼的。
第二類是授權的電影招貼，一般尺寸為88×59cm、42×30cm，但以88×59cm尺寸為主流，授權版的招貼由于價格較為低廉，發行量又遠遠大于原版電影招貼，而升值潛力不大，在市場上較為多見。
二、電影招貼的特性和設計法則
1，招貼的基本概念
所謂招貼。英文名稱為poster，中文又名“海報”或“宣傳畫”，屬于戶外廣告，分布于各處街道、影(劇)院、展覽會、商業區、機場、碼頭、車站、公園等公共場所，在國外被稱為“瞬間”的街頭藝術。雖然如今電影業各種宣傳發展日新月異，新的理論、新的觀念、新的制作技術、新的傳播手段、新的媒體形式不斷涌現，但招貼始終無法代替，仍然在特定的領域里施展著活力，并取得了令人滿意的廣告宣傳作用，這主要是由它的特征所決定的。
2，電影招貼的特性
文字限制：招貼是給遠距離、行動的人們觀看，所以文字宜少不宜多。如：《別惹螞蟻》故事根據童話作家約翰?尼科爾(John Nickle)創作的同名兒童小說改編，講述剛搬家的盧卡斯，在學校沒朋友，又被鄰居惡霸欺負，只好把怒氣出在螞蟻上，破壞他們的巢穴，不料螞蟻起來報復，用一把神奇縮小槍，將盧卡斯變成螞蟻般大小，并把他帶回巢穴一同生活，經過這次，盧卡斯學會了寬容與同情，友情的真諦和欣賞、敬畏自然本身。以圖片占據整個版面，整個招貼只是點到了電影的片名，但是非常的醒目。
色彩限制：招貼的色彩宜少不宜多。如：2006年加拿大出品的《僵尸人》電影海報只用了一個紅色代表了整個招貼的色彩，使影片的情節和影片定位對觀眾都有了很好的示意：招貼的形象一般不宜過分細致周詳，要概括。張貼限制：公共場所不宜隨意張貼，必須在指定的場所內張貼，各個電影院在介紹新電影時都是把招貼和電影放映時間相配合，以告之觀眾。
3，電影招貼的設計法則
在電影招貼設計的過程中，常見的有以下兩種情況：一種是設計前翻閱各類資料，挑選合適的形式、手法進行移植，改頭換面地套用設計的內容。另一種是不找任何資料，憑借自己所學的知識、激情、力量，再結合電影招貼設計的法則進行構思和構圖。其結果，前一種顯得拘泥而少靈氣，模仿因素多，后一種創意明確，視覺流暢、飽滿、生動、個性化強。
色彩的刺激無論在人的心理或生理上都有重要的影響，在生活節奏越來越快的今天，為使忙碌的人們能在瞬間了解電影招貼內容，電影招貼色彩應多使用較為強烈的對比色調。所以，色彩對比是電影招貼設計常用的表現手法之一，其目的在于盡可能使主題形象鮮明奪目，在瞬間快速傳遞給廣大觀眾，并留下深刻印象。通常在電影招貼有以下幾種對比方法：色相對比、明度對比、冷暖對比、補色對比、面積對比。色彩是電影招貼的“魂”，要象征化、聯想化。如白色能聯想到純潔、神圣、優質、和平，如：2006年10月上映的電影《硫磺島來信》的招貼設計，以白色為主題色，加上一個充滿生機的綠色小島，使人們對和平的向往和對那場戰爭的回憶與反思，黑色能聯想到嚴肅、觸目；黃色能聯想到快活、溫暖、尊嚴等，如：1994年《獅子王》的電影招貼整體采用黃色它象征著王者的身份的同時也讓觀眾充分對非洲大地的一個遐想的體驗。藍色能聯想到和平、安寧、科技等，如：2008年最新電影《WALL-E》的招貼基本上是以藍色調為主體，充滿了科技與太空的味道?？傊?，只有在充分理解和掌握了色彩運用的基礎上，才能使設計的用色起到內外呼應的作用，達到電影招貼理想的宣傳效應。
電影招貼的色彩，包括色和彩兩層含義。色，通常指的是：黑、白、灰，或稱“五色彩”。彩，通常指的是：紅、橙、黃、綠，青、藍、紫，以及摻有黑、白、灰成分的中間色，或稱“有色彩”。按生理學家的研究，觸及人類五官最敏感的莫過于色彩。正如人們購買食品，首先進入視線的是上面的色彩，其次是嗅覺，再其次是味覺。色彩是市場信息和產品競爭的首要條件，因此，在廣告上有著極強的訴求力。特別是遠距離傳達的電影招貼，更莫過于色彩。
新奇：雖然所有媒體都需要“新奇”，但電影招貼要求更高，因為它只是在“瞬間”發揮傳達作用，特別需要視覺傳達的異質點。簡潔：雖然所有媒體都需“簡潔”，但電影招貼要求更高。如：第八屆上海國際電影節海報用過去老的膠片盒作為主題，沒有用明星和片名等，表現出簡潔的一面，同時用中國的書法表明了自己的文化地域特點。因為電影招貼是戶外廣告，越是“簡潔”的電影招貼，主題越突出，焦點越集中，內容越豐富?？鋸垼阂驗殡娪罢匈N是在遠處發揮強烈的傳達作用，所以必須調動夸張、幽默，特寫等表現手段來揭示主題，明確消費者的心理需求。沖突：“沖突”也是對比，包括兩個方面：一是形式節奏上的“沖突”；二是內容矛盾上的“加突”。直率：藝術要求含蓄，電影招貼則要求直率。
三、結語
不知你是否注意到，近20年來好萊塢電影的主流配色，始終圍繞在橙藍兩大色系上，有的是橙色和藍綠色，有的是琥珀色和藍綠色。電影色調一直是影迷和評論家關注的焦點，這種鋪天蓋地的橙藍色調好像要“一統江湖”，以致于有的評論家批評色調越來越單一，好像使電影進入了“黑暗時代”。
不管怎樣批評，事實終歸是事實。本文將向你揭示電影后期制作中關于配色的更多奧秘，本頁上面四部電影的劇照，你可以仔細體會下。
劇照是整部電影配色方案的整體反映，另外，電影海報作為宣傳工具，也有顏色搭配的奧秘。許多電影海報無一例外，都屬于橙藍色調，它們顏色亮麗飽滿，視覺效果明顯，緊緊抓住了人們的眼球。
人類拍攝電影何其多，每一部電影里每一個畫面，不可能全部是橙藍色調。而且有的制片人個性鮮明，喜歡標新立異。比如《綠野仙蹤》之《翡翠城》，給人感覺應該是處處可見翡翠般的綠色，然而奇才導演竟然“屏蔽”了綠色，代之以橙藍之外的任何其他顏色呈現在熒屏上。
除個別人外，大部分制片人都傾向橙藍色調。以橙藍為主的配色方案已經是大勢所趨，科學家從眾多電影主色調中取樣，畫了一張分析圖。這張圖顯示出電影色調橙藍為王的潮流。
渲染配色的技術
電影剛誕生時，根本談不上色調，更沒有渲染配色，因為色調完全取決于拍攝實際，人物、場景是什么顏色，拍出來就是什么顏色。后來，為取得更好的觀影體驗，制片人才煞費苦心，開始為每一幕電影渲染主色調。
現在，除少數制片人堅持實地拍攝外，絕大部分電影拍攝都采用了數字技術。數字技術大大提高了工作效率，使電影后期制作更輕松，渲染色彩更容易，主題色調更統一，因為電腦軟件功能強大，它能同時渲染不同畫面，使電影不同場景的色調更緊湊一致，同時也使電影所表達的主題更嚴密連貫，有利于觀眾理解接受。
《逃獄三王》上映于2000年，講述了20世紀30年代美國三個犯人逃獄的經歷。這部電影是應用數字技術大量渲染畫面的早期代表。導演科恩兄弟宣稱，為使電影顯得更“復古”，他們大量渲染暖褐色，使其成為電影主色調，并調整畫面場景、人物膚色等眾多電影元素的色彩緊密度，使各種顏色都隨主色調的變化而變化，讓電影看起來仿佛經歷了歲月磨礪，變得古舊而滄桑。
效果最好的對比
電影制作人為什么這么喜歡橙藍色呢？原來，世界上所有顏色中，橙藍色系是對比最明顯、效果最好的配色方案。
一部電影最主要的場景中，最主要的元素是什么？自然是電影人物的刻畫。演員是電影的中心，他們飾演的角色，也是籍以表達電影主旨的中心載體。演員是人，而世界上不論哪一類人種，膚色都介于淺桃紅色和黑色、深棕色之間。從色譜盤上看，這部分剛好屬于橙色系，與之相對的就是藍色、青色。
色譜盤上相對的顏色就是相對色，又叫互補色?；パa色的對比效果比任何其他顏色都明顯。平時我們選取某種顏色，常常是因為這種顏色的對比效果最明顯。
橙藍色調的電影配色，就來源于這種互補色的對比效果。屏幕上人物膚色越來越傾向于橙黃色，畫面背景越來越傾向于藍青色；橙黃色給人一種暖暖的感覺，藍青色則帶來冷冷的效果。這樣兩相搭配，讓人有一種強烈的冷暖對比，使電影畫面更生動活潑。
從電影配色方案的歷史來看，橙藍主色調起源最早，因為較之其他顏色，橙藍色視覺效果更鮮明，給人更強烈的視覺沖擊，從而給觀眾留下更深刻的印象。而且橙藍色調與很多日常概念一一相對，比如火與冰，大地與天空，陸地與海洋，白天與黑夜，關懷與冷漠，老式火藥爆炸與未來科幻武器等等。
《變形金鋼》系列電影，數年來一直深深吸引著觀眾，它就是橙藍主色調引起強烈視覺震撼效果的典型。當然了，動作片特別適合橙藍色調，畢竟一旦發生“爆炸”，它通常是橙黃色的。